De todas las vanguardias que desarrollamos en clases y en el blog, la que me mas me gusto fue Arte Óptico.
Me gusta los efectos que produce al verlos, como por ejemplo la profundidad y esa sensación de movimiento aunque no sea real.
Ademas me gusta mucho los colores vivos y llamativos que utiliza, que es una de las características que lo diferencia de las demás vanguardias.Me gusta porque es diferente a las demás y podes quedarte horas mirando obras de este movimiento.
miércoles, 25 de abril de 2012
martes, 24 de abril de 2012
ARTE POST MODERNO: NEOEXPRESIONISMO
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80.Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo. Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.
Lejos de las improntas que el minimal art había impuesto junto con otras corrientes de orden abstracto, todas las cuales valoran el concepto de la obra en detrimento de cualquier sentido de espontaneidad, el neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo )
Autor representativo: Anselm Kiefer
El alquimista
La subraya la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado.
HIPERREALISMO.
Esta corriente artística con la que se conoce al movimiento plástico contemporáneo, desarrollado entre 1965-1975 aproximadamente y considerado como una reacción de la tradición figurativa frente a todo el conjunto de planeamientos no objétales
Este movimiento que se encuadra en las llamadas segundas vanguardias del siglo XX dentro de la tendencia de la nueva figuración y otras formas de realismo, nace EE.UU. en los años 60 este en origen se llamabarealismo fotográfico o hiperrealismo.
Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográficamente la realidad con la técnica pictórica tradicional aunque cada pintor da un toque personal a sus obras expresando de esta forma su opinión sobre la imagen, esta corriente existe tanto en pintura como escultura.
Su centro de difusión se conoció con la documentación de Kassel de 1972
Se caracterizo esencialmente por un verismo descriptivo absoluto puramente fotográfico paro lo cual se recurría a medios técnicos modelando en vivo proyección de diapositiva.
O al lenguaje academicista de índole mas barroca.
En pintura en ocasiones copia las fotografías o produce efectos semejantes a ella y en la esculturas suelen utilizar moldes de figuras humanas, a veces realizados en materiales plásticos.
Es una corriente artística que se caracteriza por la traducción literal y fotografica de la realidad
Posición extrema del arte figurativo, del verismo, del realismo. El artista hace una obra fotográfica que... dependiendo de su genialidad transmite un efecto psicológico en el espectador.
Esta corriente existe tanto en pintura como en escultura:
Pintura:
Los temas generalmente son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, bodegones, cuerpos humanos y paisajes
Técnica utilizada:
Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición seria muy prolongado. Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.
Escultura:
En la escultura Hipe realista trabajaron escultores como Duane Hanson y John de Andrea ambos interesados por la figura humana extraída del contexto de las clases medias bajas norteamericanas plasmadas en actitudes en las que subrayan los aspectos mas banales de la cotidianidad llagando a parecer autenticas criticas
Autor representativo: Don Eddy
El rayo verde
Don Eddy, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellas brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia.
Don Eddy es un pintor americano que saltó a la fama inicial como un fotorrealista , pero sus obras más recientes se han apartado en el reino de la metafísica .
En la década de 1970, las obras de Eddy rindió homenaje a los coches y el paisaje urbano urbano. En la década de 1980, su trabajo era más orientada a objetos que representan la cristalería, vajilla de plata, y los juguetes en una serie de estantes de cristal reflectante. A menudo, compuesta por dípticos opolípticos , que yuxtapone imágenes en la relación poética entre sí-"haciéndose eco de los ecosistemas", como el artista llama a estas conexiones de la estructura.
( fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Don_Eddy )
POP ART
El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop )
El Arte pop se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El por art crea obras de arte a partir de objetos que ya existían anteriormente, el artista toma elementos de varios ámbitos que tengan que ver con la cultura en masas, y a partir de esta crea sus obras. Muchos artistas partieron de técnicas que databan de mucho tiempo atrás o bien utilizaban tendencias innovadoras que asombraban al público.
Autor representativo: Andy Warhol
Latas de sopa Campbell
La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell, fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.
Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho (20 x 16 pulgadas) y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
Para Warhol, un ilustrador comercial que se convertiría en un exitoso autor, pintor y director de cine, esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional.3 4 La obra, expuesta por primera vez en la Galería Ferus de Los Ángeles, marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los Estados Unidos
Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineastaestadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
(fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol )
ARTE OPTICO.
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958.Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Temática:
- La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
- Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
- En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
- El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
- Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
- En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
- Confusión entre fondo y primer plano.
Técnica:
- Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.
- Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
- Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
- Gran efecto de profundidad.
- Hábil uso de las luces y las sombras.
Autor representativo: Antonio Lizarazu Balué
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.
Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.
La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
(fuente: http://my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/17/antonio-lizarazu-balue )
lunes, 23 de abril de 2012
SURREALISMO
El Surrealismo comienza en 1924 en París con
la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que
la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más
profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización
(fuente:http://www.arteespana.com/surrealismo.htm )
TECNICAS
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas )
Autor representativo: Giuseppe Arcimboldo
Vertumnus
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización
(fuente:http://www.arteespana.com/surrealismo.htm )
TECNICAS
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas )
Autor representativo: Giuseppe Arcimboldo
Vertumnus
Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo.
Todos los frutos y flores representados en el cuadro eran propios de la estación
del verano en el siglo XVI.
Algunos surrealistas vieron en él a un precursor.
Giuseppe Arcimboldo, (también escrito
Arcimboldi; Milán 1527 - íbidem; 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido
sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano
a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba
representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo
el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto
retratado.
Arcimboldo nació en Milán en 1527, hijo de
Biagio, un pintor que trabajó para la construcción de la escuela de pintores en
la catedral.[1]
Le encargaron a Arcimboldo diseños para vidrieras, a partir de 1549, incluyendo
la Historias de Santa Catalina de Alejandría en la catedral. En 1556 trabajó con Giuseppe Meda en
frescos para la Catedral de Monza. En
1558, pintó el cartón para un gran tapiz de la Dormición de la Virgen María, que
hasta el día de hoy cuelga en la catedral de Como.
Estuvo al servicio de los Habsburgo entre los años 1560 y 1587. Se supone que trabajó también
en la Italia meridional y que tuvo un taller propio y discípulos en Roma.
En 1562
se convirtió en retratista de corte de Maximiliano II en la
corte Habsburgo de Praga. Fue también el decorador de
corte y diseñador de trajes. El rey Augusto de Sajonia, que visitó Viena en 1570
y 1573, vio la obra de Arcimboldo y le encargó una copia de sus Cuatro
estaciones que incorporara sus propios símbolos monárquicos.
En Praga trabajó también para Rodolfo II (emperador desde
1576 hasta 1612) en su corte de Praga y se le considera el «Leonardo da Vinci» de
la corte bohemia, diseñador de aparatos hidráulicos milagrosos (un poco como su
coetáneo en la corte española Juanelo Turriano) y de
instrumentos musicales fantásticos: en este sentido puede decirse que trabajó
para el emperador Rodolfo II «reemplazando» la figura del viejo Juanelo, cuyos
inventos, experimentos diversos y aparatos mecánicos impresionaron al joven
Rodolfo durante su estancia en la corte de su tío, el rey español Felipe
II.
Su obra convencional, consistente en pinturas
tradicionales del género religioso, ha caído en el olvido. No ocurre lo mismo
con sus «caprichos» alegóricos, cuadros en los
que las naturalezas muertas, los
conjuntos de flores, frutas, mariscos o peces, crean figuras simbólicas. En
efecto, estos retratos pre-surrealistas de cabezas
humanas hechas de verduras, frutas y raíces, fueron muy admirados por sus
contemporáneos y aún hoy suscitan fascinación. Los críticos de arte están
debatiendo actualmente si estas pinturas eran caprichosas o el producto de una
mente trastornada.
Arcimboldo murió en Milán.
DADAISMO
El Dadaísmo nació en Alemania y
Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y despúes de la conflagración se
trasladó a París. No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una
actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social
existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente
al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la
sociedad lo consideró respetable. El bigote y la inscripción obscena en la "Mona
Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas experimentaron diversos
estilos artísticos, algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente
por los Surrealistas. En el período de entreguerras, el Surrealismo (asentado en
París y altamente cosmopolita) dominó el mundo del arte y jugó un papel
importante en la literatura y en el cine. A partir de mediados de los años 40,
muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América .
El dadaismo obtuvo su nombre al azar. Empezó entre la década de 1940 y 1950. Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo. Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. Utilizan colores lisos, pero s ordos.
El dadaismo empezó solo siendo un movimientos literario. A consecuencia de esto, la tendencia que predomina es la de otorgar nuevos significados a las imágenes que representan cosas. No adoptaron la postura del que rechaza todo tipo de valor a una obra d e arte cuando la encuentra literaria. En las pinturas se advierte un afán de no-estilo, una voluntad de antiforma que procede de la intención manifiesta de agrupar a todos los que se sientan disconformes con el mundo ordenado, no que los que propongan imp onerle una nueva norma. Acoge artistas que solo pueden ser considerados en franca rebeldía, y admite formas que hasta cierto punto contradicen los postulados de destrucción que lo guían.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva. Es un movimi ento nihilista que desconfía del orden y de la razón. Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo. Los integrantes del dadaismo innovaron el empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje. Para los dadaistas, el uso del collage consistió en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por obra del a zar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino del espíritu de totalidad que se logra con ella. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, y el collage se transforma en un dinámico y absurdo juego de imágenes fragmentadas que revelan metáforas inesperadas. Así, el collage se vuelve un método de exploración de la realidad y un procedimientos para expresarla que explica la inmediata influencia que tuvo sobre aquellas formas modernas qu e requieren un dinamismo más acentuado que la pintura.
También se valieron de objetos hechos de carácter comercial, a los que desplazaba de su función original modificándolos o agregándoles formas extrañas como si los hubiese guiado la idea de que una surrealidad se esconde tras las cosas más comunes que nos rodean. Los dadaistas pensaban que no hace falta llegar a la creación absoluta para trascender, y que basta descubrir el modo de hacerlo entre los objetos, como algo que presta sentido a lo común y trivial. Tendían a restar importancia al valor espiritual de cada objeto para otorgárselo al conjunto.
Autor representativo: Marcel Duchamp
"L.H.O.O.Q"
.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. EnL.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.
El nombre de la obra, L.H.O.O.Q. es homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente», que podría traducirse como «Ella está excitada sexualmente».
Duchamp realizó varias versiones de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.
(fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/L.H.O.O.Q. )
Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp )
El dadaismo obtuvo su nombre al azar. Empezó entre la década de 1940 y 1950. Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo. Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. Utilizan colores lisos, pero s ordos.
El dadaismo empezó solo siendo un movimientos literario. A consecuencia de esto, la tendencia que predomina es la de otorgar nuevos significados a las imágenes que representan cosas. No adoptaron la postura del que rechaza todo tipo de valor a una obra d e arte cuando la encuentra literaria. En las pinturas se advierte un afán de no-estilo, una voluntad de antiforma que procede de la intención manifiesta de agrupar a todos los que se sientan disconformes con el mundo ordenado, no que los que propongan imp onerle una nueva norma. Acoge artistas que solo pueden ser considerados en franca rebeldía, y admite formas que hasta cierto punto contradicen los postulados de destrucción que lo guían.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva. Es un movimi ento nihilista que desconfía del orden y de la razón. Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo. Los integrantes del dadaismo innovaron el empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje. Para los dadaistas, el uso del collage consistió en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por obra del a zar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino del espíritu de totalidad que se logra con ella. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, y el collage se transforma en un dinámico y absurdo juego de imágenes fragmentadas que revelan metáforas inesperadas. Así, el collage se vuelve un método de exploración de la realidad y un procedimientos para expresarla que explica la inmediata influencia que tuvo sobre aquellas formas modernas qu e requieren un dinamismo más acentuado que la pintura.
También se valieron de objetos hechos de carácter comercial, a los que desplazaba de su función original modificándolos o agregándoles formas extrañas como si los hubiese guiado la idea de que una surrealidad se esconde tras las cosas más comunes que nos rodean. Los dadaistas pensaban que no hace falta llegar a la creación absoluta para trascender, y que basta descubrir el modo de hacerlo entre los objetos, como algo que presta sentido a lo común y trivial. Tendían a restar importancia al valor espiritual de cada objeto para otorgárselo al conjunto.
"L.H.O.O.Q"
.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. EnL.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.
El nombre de la obra, L.H.O.O.Q. es homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente», que podría traducirse como «Ella está excitada sexualmente».
Duchamp realizó varias versiones de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.
(fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/L.H.O.O.Q. )
Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp )
ARTE ABSTRACTO.
El arte abstracto es el estilo artístico que surge
alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las
manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.[1] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.[2]
En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales
(Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski )
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.[1] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.[2]
La abstracción se aparta de la realidad en la
representación de la imaginería en el arte.
Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial
o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que
pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en
teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra Ć
arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de
maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total
no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la
abstracción total son casi mutuamente
excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo
(o realista)
a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos
artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el
fauvismo en el que el color
está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera
las formas de la vida real en los objetos que representa.[3]
[4]
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia
alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al
realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó
la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas
del arte del siglo XX. Este
lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia
precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el
color, lo que derivó hacia la abstracción
lírica o informalismo. Otra vía fue
la del cubismo, que hizo
hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a
otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas.
Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo
totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto
ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es
libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente
geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de
tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la
imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por
arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos,
paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan
como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una
obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma,
sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto )
Autor representativo: Wassily Vasílievich Kandinsky
FARBSTUDIE
Utiliza una paleta de colores fuertes,saturados,parecidos a los del expresionismo.No juega con luces ni sombras.
Wassily Vasílievich Kandinsky Nació en Moscú en 1866. En 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales
(Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Wassily_Kandinski )
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