Cuando era chico pensaba: " si pudiera meter las manos en un programa de tele haría algo mas rápido y divertido". Matt Groening es el creador y productor de dos series, entre otros , transmitidas por el canal Fox y reconocida mundialmente: Los Simpson y Futurama. Es simultáneamente un subversivo de la cultura popular y un genio de los negocios.

Los Simpson se independizo como serie el 17 de diciembre de 1989. Groening bautizo a sus personajes con los nombres de los integrantes de su propia familia ( a excepción de Bart, que sin embargo representaría al propio Matt).

La receta para que una serie perdure, se debe en parte al trabajo de Mike Scully (uno de los creadores), de los guionistas, los animadores y los actores que hacen las voces y aman a sus personajes. Cambien se debe a la libertad que nos brinda la animación: nuestros personajes no envejecen, lo que resulta una gran ventaja. Como dice Matt, la animación es siempre un experimento y uno esta siendo modificaciones y ajustes. Él establece uno de sus objetivos que es el ser siempre original

Cuando Los Simpson comenzaron, Fox era una cadena joven en la cual todo el mundo estaba demasiado ocupado en cosas muy urgentes, y por tal motivo se les hizo mas simple y les dejaron hacer todo lo que se les ocurría. En Los Simpson se presenta un ámbito tradicional. Se trata de una serie familiar.

A pesad de ser esta serie amada por los Estados Unidos, provoco también controversias políticas. Barbara Bush declaro en un revista  que la serie era "la serie mas tonta que he visto".

Cada capitulo de Los Simpson es una gran producción que emplea a cincuenta músicos, sesenta productores y actores, cien dibujantes en Estados Unidos y trescientos mas en Corea.

En Futurama Groening transporta su mensaje al futuro, a la Nueva York del año 3000. Esta serie esta poblada por cabezas parlantes de celebridades conservadas en frascos, gaseosas narcóticas,publicidad para cuando uno duerme, extraterrestres tuertas,robots que toman cerveza y una megacorporacion corrupta dirigida por una despótica madre. Matt aclara que la existencia de robots que quieran matar a todos los humanos,mutantes horrorosos  y rayos de la muerte son usados para hacer comentarios sobre lo absurdo de la vida real.

Matt Groening a la hora de dibujar a los personajes de Futurama, no los hace dibujando a mano como las historietas para las revistas, sino que usa computación animada y software de ultima generación.

Las ideas de Matt parten de todo lo que le gustaba de chico, de los sueños que tenia como cualquier chico y siempre soñó con homenajear a los responsables de dichos sueños.

COMENTARIO

De todas las vanguardias que desarrollamos en clases y en el blog, la que me mas me gusto fue Arte Óptico.
Me gusta los efectos que produce al verlos, como por ejemplo la profundidad y esa sensación de movimiento aunque no sea real.
Ademas me gusta mucho los colores vivos y llamativos que utiliza, que es una de las características que lo diferencia de las demás vanguardias.Me gusta porque es diferente a las demás y podes quedarte horas mirando obras de este movimiento.

ARTE POST MODERNO: NEOEXPRESIONISMO

Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.

Lejos de las improntas que el minimal art había impuesto junto con otras corrientes de orden abstracto, todas las cuales valoran el concepto de la obra en detrimento de cualquier sentido de espontaneidad, el neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. 

El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo )

Autor representativo: Anselm Kiefer

El alquimista

La subraya la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado.

Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80.Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo. Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.

HIPERREALISMO.

Esta corriente artística con la que se conoce al movimiento plástico contemporáneo, desarrollado entre 1965-1975 aproximadamente y considerado como una reacción de la tradición figurativa frente a todo el conjunto de planeamientos no objétales

Este movimiento que se encuadra en las llamadas segundas vanguardias del siglo XX dentro de la tendencia de la nueva figuración y otras  formas de realismo, nace EE.UU. en los años 60 este en origen se llamabarealismo fotográfico o hiperrealismo.

Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográficamente la realidad  con la técnica pictórica tradicional  aunque cada pintor da un toque personal a sus obras expresando de esta forma su opinión sobre la imagen, esta corriente existe tanto  en pintura como escultura.

Su centro de difusión se conoció con la  documentación de Kassel de 1972

Se caracterizo esencialmente por un verismo  descriptivo absoluto puramente fotográfico paro lo cual se recurría a medios técnicos modelando  en vivo proyección de diapositiva.

O al lenguaje academicista de índole mas barroca.

En pintura en ocasiones copia las fotografías o produce efectos semejantes a ella y en la esculturas suelen utilizar moldes de figuras humanas,  a veces realizados en materiales plásticos.

Es una corriente artística que se caracteriza por la traducción literal y fotografica de la realidad

Posición extrema del arte figurativo, del verismo, del realismo.  El artista hace una obra fotográfica que...  dependiendo de su genialidad transmite un efecto psicológico en el espectador.

Esta corriente existe tanto en pintura como en escultura:

Pintura:

Los temas generalmente son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, bodegones, cuerpos humanos y paisajes

Técnica utilizada:

 Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo  en la reproducción de retratos ya que  el tiempo de exposición seria muy prolongado. Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.

Escultura:

 En la escultura Hipe realista trabajaron escultores como Duane Hanson y John de Andrea ambos interesados por la figura humana extraída del contexto de las clases medias bajas norteamericanas plasmadas  en actitudes en las que subrayan los aspectos mas banales de la cotidianidad llagando a parecer autenticas criticas

( fuente: http://members.fortunecity.es/i00051993/Hiperrealismo.htm )

Autor representativo: Don Eddy

El rayo verde

Don Eddy, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellas brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia.

( fuente: http://elrayoverde.blogia.com/2008/030601-don-eddy-1944-.php )

Don Eddy  es un pintor americano que saltó a la fama inicial como un fotorrealista , pero sus obras más recientes se han apartado en el reino de la metafísica .

En la década de 1970, las obras de Eddy rindió homenaje a los coches y el paisaje urbano urbano. En la década de 1980, su trabajo era más orientada a objetos que representan la cristalería, vajilla de plata, y los juguetes en una serie de estantes de cristal reflectante. A menudo, compuesta por dípticos opolípticos , que yuxtapone imágenes en la relación poética entre sí-"haciéndose eco de los ecosistemas", como el artista llama a estas conexiones de la estructura.

( fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Don_Eddy )

POP ART

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop )


El Arte pop se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El por art crea obras de arte a partir de objetos que ya existían anteriormente, el artista toma elementos de varios ámbitos que tengan que ver con la cultura en masas, y a partir de esta crea sus obras. Muchos  artistas partieron de técnicas que databan de mucho tiempo atrás o bien utilizaban tendencias innovadoras que asombraban al público.


Autor representativo: Andy Warhol


Latas de sopa Campbell

La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell, fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.

Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho (20 x 16 pulgadas) y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.

Para Warhol, un ilustrador comercial que se convertiría en un exitoso autor, pintor y director de cine, esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional.^3 4 La obra, expuesta por primera vez en la Galería Ferus de Los Ángeles, marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los Estados Unidos

( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Latas_de_sopa_Campbell )

Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineastaestadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

(fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol )

ARTE OPTICO.

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958.Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.


Temática:

• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.

• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.

• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

• Confusión entre fondo y primer plano.

Técnica:

• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.

• Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

• Gran efecto de profundidad.

•  Hábil uso de las luces y las sombras.

Autor representativo: Antonio Lizarazu Balué

Sin título 57



En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.


Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.
La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor. 

Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
(fuente: http://my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/17/antonio-lizarazu-balue )

SURREALISMO

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización
(fuente:http://www.arteespana.com/surrealismo.htm )

TECNICAS
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
( fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas )

Autor representativo: Giuseppe Arcimboldo

Vertumnus

Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo. Todos los frutos y flores representados en el cuadro eran propios de la estación del verano en el siglo XVI. Algunos surrealistas vieron en él a un precursor.

Giuseppe Arcimboldo, (también escrito Arcimboldi; Milán 1527 - íbidem; 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado.

Arcimboldo nació en Milán en 1527, hijo de Biagio, un pintor que trabajó para la construcción de la escuela de pintores en la catedral.^[1] Le encargaron a Arcimboldo diseños para vidrieras, a partir de 1549, incluyendo la Historias de Santa Catalina de Alejandría en la catedral. En 1556 trabajó con Giuseppe Meda en frescos para la Catedral de Monza. En 1558, pintó el cartón para un gran tapiz de la Dormición de la Virgen María, que hasta el día de hoy cuelga en la catedral de Como.

Estuvo al servicio de los Habsburgo entre los años 1560 y 1587. Se supone que trabajó también en la Italia meridional y que tuvo un taller propio y discípulos en Roma.

En 1562 se convirtió en retratista de corte de Maximiliano II en la corte Habsburgo de Praga. Fue también el decorador de corte y diseñador de trajes. El rey Augusto de Sajonia, que visitó Viena en 1570 y 1573, vio la obra de Arcimboldo y le encargó una copia de sus Cuatro estaciones que incorporara sus propios símbolos monárquicos.

En Praga trabajó también para Rodolfo II (emperador desde 1576 hasta 1612) en su corte de Praga y se le considera el «Leonardo da Vinci» de la corte bohemia, diseñador de aparatos hidráulicos milagrosos (un poco como su coetáneo en la corte española Juanelo Turriano) y de instrumentos musicales fantásticos: en este sentido puede decirse que trabajó para el emperador Rodolfo II «reemplazando» la figura del viejo Juanelo, cuyos inventos, experimentos diversos y aparatos mecánicos impresionaron al joven Rodolfo durante su estancia en la corte de su tío, el rey español Felipe II.

Su obra convencional, consistente en pinturas tradicionales del género religioso, ha caído en el olvido. No ocurre lo mismo con sus «caprichos» alegóricos, cuadros en los que las naturalezas muertas, los conjuntos de flores, frutas, mariscos o peces, crean figuras simbólicas. En efecto, estos retratos pre-surrealistas de cabezas humanas hechas de verduras, frutas y raíces, fueron muy admirados por sus contemporáneos y aún hoy suscitan fascinación. Los críticos de arte están debatiendo actualmente si estas pinturas eran caprichosas o el producto de una mente trastornada.

Arcimboldo murió en Milán.

( fuente   http://es.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Arcimboldo )